Temporada de Ópera
Historia de la Ópera de Oviedo

La actual temporada operística en Oviedo proviene del siglo XVII y de "La Casa de Comedias" del Fontán. Desde el siglo XIX la actividad operística se liga de manera inequívoca con la actividad del Teatro Campoamor (construcción que surgió como iniciativa de una comisión municipal formada en 1876 a la que pertenecía Leopoldo Alas "Clarín").

La ópera "Los Hugones de Meyerbeer" fue la elegida en 1892 para la inauguración de tan importante teatro. En esta misma década se estrenan óperas como "Aida" y "Carmen" en 1894, "La Gioconda" en 1895 y "Sansón y Dalila" en 1899. Ya en el primer lustro del siglo XX se estrenaron óperas de la talla de "La Dolores", "La Bohème", "El Profeta" y "La Cavalleria Rusticana".

La ópera se convirtió junto con la Zarzuela en la columna vertebral de casa temporada en el Teatro Campoamor.

"Tosca" se estrena en 1906, título que junto a "La Bohème" estrenada en 1902 son las dos obras más representadas en la historia del teatro.

Artistas de la talla del tenor wagneriano Francisco Viñas han actuado en el teatro representando obras de gran renombre; éste estrena en 1908 "Aida y Lohengrin".

La temporada de 1921 se caracterizó por el debut de grandes intérpretes como: Giacomo Lauri-Volpi, Maria Ros, Maria Llacer, Walter Kirchhoff o Elsa Bland, estos dos últimos cantaron Tristan e Isolda, también en 1921. En junio de 1926 Hipólito Lázaro cantó en las óperas Aida y La Bohème. En esta década actuaron la mezzosoprano barcelonesa Conchita Supervía que interpretó "Rossini" y "Bizet", Ofelia Nieto, Ángeles Oteín o Elisabeth Schumann.

En el año 1932 se estrenan "Kovanchina" y "Boris Godunov".

Tras los acontecimientos políticos de la época se elige la ópera "Manon" para la reinauguración del Teatro Campoamor en 1948. A partir de éste año la ópera adquiere presencia fija todos los años, manteniendo una continuidad hasta nuestros días con la participación de las más relevantes voces de cada momento.

Actualmente la actividad del teatro se articula en torno a la Temporada de Ópera de septiembre a enero.

Programación de Ópera 2014-2015 Otelo

Jueves, 11 de septiembre de 2014 a las 20:00 horas. (1ª)
Domingo, 14 de septiembre de 2014 a las 19:00 horas. (2ª)
Miércoles, 17 de septiembre de 2014 a las 20:00 horas. (3ª)
Sábado, 20 de septiembre de 2014 a las 20:00 horas. (4ª)

Un drama terrible que trata el tema de los celos, como se ha insistido tradicionalmente, pero sobre todo y una vez más en la obra de Shakespeare el de la ambición desmedida. Jago se convierte en el protagonista de la obra. Su envidia y ambición inspiran los celos que sufre Otello y que desencadenan la tragedia. Otello por su parte simboliza la visión bondadosa y optimista de la vida, cuyo sentido, queda inexplicado en la obra de Shakespeare. Jago aporta la toma de posición antagónica, desde su pragmatismo vengativo de ángel caído.

Otra perspectiva del drama es la que desarrollaron en el siglo pasado cineastas y actores como Orson Welles, Paul Robeson o Laurence Olivier. Añadiendo una nueva interpretación de este texto. Para todos ellos Othello es una obra sobre el racismo. En las versiones cinematográficas y teatrales Otello, el moro, es negro. En la dramaturgia de estas obras queda patente que Jago no puede soportar que un ser perteneciente a una raza, para él inferior, consiga todos los éxitos.

El libreto de Boito, quizá el más perfecto de las óperas de Verdi se ajusta fielmente al espíritu de la obra original. El libretista hizo un prodigioso trabajo de condensación, reduciendo los tres mil quinientos versos shakespearianos a ochocientos. El texto de Boito mantiene un milagroso equilibrio entre la creación y el respeto al original y Verdi, con más inteligencia y más fuerza que nunca, refleja en su música el espíritu de los personajes de Shakespeare. El compositor consigue en esta ópera una simbiosis perfecta entre la acción y la música que posee una homogeneidad sin altibajos. Las escenas de Otello se ensamblan límpidamente, cada acto está construido como un discurso musical ininterrumpido. La orquestación es muy rica y sutil alcanzando unas cimas desconocidas por su materia sinfónica y su capacidad narrativa. La voz y la música están perfectamente integradas, prestándose exquisita atención a las intervenciones solistas. La partitura posee una textura transparente, casi camerística. Y en toda la composición las ideas melódicas son de una mayor amplitud y complejidad que en obras anteriores del maestro. Se puede afirmar que Verdi ha consumado con Otello el drama musical italiano, como Wagner el alemán.

Evaristo te cuenta Otel(l)o

Jueves, 18 de Septiembre de 2014, a las 19:00 horas

Evaristo regresa una temporada más a la Ópera de Oviedo y esta vez se atreve con un título complicado, por su argumento lleno de celos y muerte y por la música de esta ópera inmortal de Giuseppe Verdi, ¿o era de Shakespeare?

Cuatro últimas canciones / El castillo de Barbazul

Domingo, 12 de octubre de 2014 a las 19:00 horas. (1ª)
Martes, 14 de octubre de 2014 a las 20:00 horas. (2ª)
Jueves, 16 de octubre de 2014 a las 20:00 horas. (3ª)
Sábado, 18 de octubre de 2014, a las 20:00 horas. (4ª)

Las Cuatro últimas canciones, son el adiós de un viejo pagano a la vida que tanto amó. Un reflejo de la belleza sublime de la obra de Richard Strauss. Los poemas, en consonancia con el carácter melancólico de la música, versan sobre la muerte cercana y la serena aceptación del destino.

El título Cuatro últimas canciones fue creado por Ernst Roth, el editor inglés de Strauss (Boosey and Hawkes), quien también dispuso el orden en que normalmente deberían interpretarse. Nunca sabremos en qué orden las hubiera dispuesto Strauss o si hubiera estado de acuerdo en integrarlas en un todo. Por deseo expreso del compositor, Kirsten Flagstad estrenó estas canciones en Londres bajo la dirección de Wilhelm Furtwängler.

El Castillo de Barbazul

Béla Bartók escribió una sola composición lírica, El castillo de Barbazul, que se convirtió en la ópera más importante del panorama lírico húngaro del siglo XX.

éla Balázs calificó el libreto de El castillo de Barbazul como una "balada de la vida interior". La dramaturgia de esta ópera tiene un marcado carácter psicológico y metafórico. Está influenciada por uno de los movimientos artísticos más importantes de finales del siglo XIX, el Simbolismo. Y también por el Psicoanálisis, que había revolucionado la percepción que el ser humano tenía de si mismo, revelando en su interior todo un mundo oculto incontrolable lleno de contradicciones. Hay quienes asimismo interpretan el texto de esta ópera como una alegoría sobre el inevitable fracaso de las relaciones entre el hombre y la mujer, polos opuestos de dos principios contradictorios, que según el concepto pesimista de Béla Bartók, nunca podrán ser compatibles. También existe en la composición una relación textual con Lohengrin de Wagner. En ambas óperas se hace referencia al lejano mito de Psique y al tema de la fragilidad de la eterna Eva en pugna con el demonio de la perversidad.

Bartók incluyó un narrador al principio del libreto de la ópera para introducir al público en el contenido simbólico de la misma. De manera resumida y sencilla, el castillo representaría, pues no está del todo claro, el alma de Barbazul y por extensión de todo ser humano y las puertas del castillo simbolizarían las difíciles y dolorosas pruebas a las que el ser humano se ve sometido a lo largo de su existencia.

 

Madama Butterfly

Jueves, 13 de noviembre de 2014 a las 20:00 horas. (1ª)
Domingo, 16 de noviembre de 2014 a las 19:00 horas. (2ª)
Miércoles, 19 de noviembre de 2014 a las 20:00 horas. (3ª)
Viernes, 21 de noviembre de 2014 a las 20:00 horas. (Viernes de Ópera)
Sábado, 22 de noviembre de 2014 a las 20:00 horas. (4ª)

Puccini se refería a la obra de teatro Madame Butterfly de David Belasco (1853-1931) que había visto en julio de 1900 en un teatro de Londres, coincidiendo con el estreno de Tosca en la capital británica y cuyo texto había conseguido. El drama de Belasco a su vez estaba basado en el cuento Madama Butterfly (1898) del escritor estadounidense John Luther Long (1861-1927). Éste narraba en su obra la historia de una geisha adolescente que llega a las puertas del suicidio después de ser abandonada, junto con su hijo, por un oficial de la Marina americana. Esta historia se la había contado a Long como un hecho real su hermana, Jennie Correll, esposa de un misionero metodista americano establecido en Japón. La Sra. Correl pasó unos cuantos años en Nagasaki con su marido y allí conoció personalmente el estilo de vida de los personajes que luego se incorporarán a la narración. Como hemos comentado, en el relato de Long la geisha no muere, al igual que en Madame Chrysanthème (1887) de Pierre Loti, segunda fuente literaria –primera, cronológicamente- de la ópera Madama Butterfly. Al igual que Belasco, Puccini y sus libretistas modificaron el final de la ópera por razones teatrales obvias: la geisha debía morir. Su suicidio pasaría a ser el momento culminante de la tragedia, el irrenunciable clímax de una historia conmovedora que no podía acabar de otra forma.

Desde el punto de vista dramático el personaje de Butterfly predomina de principio a fin de la ópera, casi como única protagonista, ofreciéndonos un magnífico tratado y un incisivo estudio de la psicología femenina en música. A pesar de los sinsabores del estreno y de todas las vicisitudes de la obra, de las acusaciones que califican a la ópera de efectista y a su partitura de escasa calidad estética, en la actualidad Madama Butterfly figura entre las óperas de Puccini más representadas y tiene admiradores entusiastas en todo el mundo. Sus eventuales defectos no han menoscabado en lo más mínimo su éxito que dura ininterrumpidamente desde hace más de un siglo.

Il Barbiere di Siviglia

Domingo, 14 de diciembre de 2014 a las 19:00 horas. (1ª)
Martes, 16 de diciembre de 2014 a las 20:00 horas. (2ª)
Jueves, 18 de diciembre de 2014 a las 20:00 horas. (3ª)
Viernes, 19 de diciembre de 2014 a las 20:00 horas. (Viernes de Ópera).
Sábado, 20 de diciembre de 2014 a las 20:00 horas. (4ª)

Il barbiere di Siviglia está considerada hoy día como la ópera más popular de Rossini.
Musicalmente combina rasgos de la ópera buffa con la tradición del bel canto. La partitura es un auténtico derroche de melodías inolvidables y se caracteriza por una variada paleta de colores orquestales, recursos aprendidos de Mozart y Haydn. La obra tiene aspectos totalmente novedosos como confiar el papel protagonista a un barítono (Fígaro) y por la inclusión de algunas intervenciones corales, algo desconocido hasta entonces.

La ópera de Rossini es una de las cumbres del arte cómico y de toda la ópera bufa. De hecho, esta ópera fue prácticamente el único pilar de la fama de su autor durante mucho tiempo, ya que sus otras obras, tanto dramáticas como cómicas, desparecieron de los escenarios a partir de 1860, mientras que el Barbero seguía triunfando en todo el mundo.

A finales de los años sesenta del pasado siglo, la edición crítica de Il barbiere di Siviglia realizada por Alberto Zedda recuperó la letra y el espíritu original de la partitura y supuso el verdadero renacimiento de la ópera de Rossini.

Il barbiere es, sin lugar a dudas, una de las más ricas consecuencias del lado amable de la vida, y tan imprescindible para conocer el alma humana como lo es Tristan e Isolda en su profundo retrato del amor y la amistad.

Samson et Dalila

Miércoles, 28 de enero de 2015 a las 20:00 horas. (1ª)
Sábado, 31 de enero de 2015 a las 20:00 horas. (2ª)
Martes, 3 de febrero de 2015 a las 20:00 horas. (3ª)
Viernes, 6 de febrero de 2015 a las 20:00 horas. (4ª)


El compositor se detiene en la descripción del tormento interior de Samson, su lucha entre la obediencia a su pueblo y la voz de una pasión culpable. Por otra parte, Dalila se convierte en la ópera en una sacerdotisa filistea que odia a Samson por haber vencido a su pueblo y no es la "la mujer de la vaguada de Soreq" a la que amó Samson y que fue su perdición según el relato bíblico.

En la narración del Libro de los Jueces la fuerza de Samson residía en su pelo, la única posibilidad para vencerlo era cortárselo. Es éste el secreto que Dalila intenta sonsacar y que finalmente consigue. Sin embargo en la ópera Samson nunca llega a revelarlo; su castigo es más bien el efecto de la cólera divina por haber antepuesto el amor de una mujer pagana a la fidelidad a Dios.

La música de Samson et Dalila está llena de las emociones e impresiones que acumuló Saint-Saëns en sus viajes por Asia y África. La composición musical no pretende alentar la reflexión mística, sino que intenta reconstruir un gran fresco histórico donde estén presentes los sentimientos humanos inmortales, el calor voluptuoso de Oriente y los paisajes lejanos. Oriente está de moda y tal vez Saint-Saëns hubiese buscado inspiración en las fantasías exóticas del pintor Gustave Moreau (1826-98) al que la crítica consideraba un pintor "literario". Moreau se aparta del exotismo fácil de otros pintores, para construir un oriente que no es lejano ni esteticista sino actual por su imaginario, excesivo y siniestro. El Oriente diseñado por Moreau es una mezcla de pagana sensualidad y voluptuoso misticismo

MÁS INFORMACIÓN ASOCIACIÓN ASTURIANA DE AMIGOS DE LA ÓPERA
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